www.torrents.info

Se licenció en la Gerrit Rietveld Academie de Amsterdam y en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Antes de fundar su estudio trabajó en Amsterdam, Budapest y en diferentes estudios y agencias de Barcelona. Muchos de sus proyectos se han realizado con los colaboradores que han trabajado en el estudio: Juan Esbert, Jordi Ubanell, Laura Estragués, Germán Chamorro, Maria Berga y Anaïs Esmerado. Actualmente colabora con Silvia Míguez.

· arriba izq: portada de Participar, Edicions 3i4 / centro: portada de Espacio-Identidad-Empresa de Gustavo Gili / dcha: portada Revista Intramuros, París
· abajo: Juego de formas creado a partir de las letras del logo CoNCA.

Su diseño está caracterizado por composiciones geométricas vanguardistas que rompen los esquemas clásicos mediante un sistema de envolventes capas, texturas y colores en distintos planos.

· arriba izq.: Exposición sobre Cine Experimental en el CCCB / dcha.: Promoción de colección de papeles de ArjoWiggins.
· abajo izq.: Cartel para la Revista Neue / dcha.: cartel para el Congreso Internacional de Tipografía de Valencia

David dice que el diseñador ha de crear su propio lenguaje, un lenguaje subjetivo, y que en cada proyecto es fundamental el proceso. En su etapa holandesa aprendió algo totalmente opuesto a lo que se enseña en la mayoría de las escuelas españolas, y es que un profesional debe tener su propio estilo y no cambiar según el cliente.

Entre sus numerosos encargos, ha desarrollado la imagen de varias exhibiciones, coloquios y festivales de diseño, teatro y cine experimental. Éstos son algunos de los carteles:

· arriba izq.: IV Muestra internacional de cine de animación de autor de Barcelona, Xinacittà / dcha.: V muestra.
· abajo: III muestra.

· arriba izq.: Premios a los Medios de Comunicación, Diputación de Barcelona / dcha.: Exposición sobre el Circo Contemporáneo, KrTu.
· abajo izq.: Festival Grec 2008, Ayuntamiento de Barcelona / dcha.: Coloquio internacional de lengua y literatura catalana para Eötvös Loránd University de Budapest.

Y por supuesto, de la tercera edición del Punto y Raya Festival (2011) y del Punto y Raya Junior (2012)

· arriba izq.: logo Punto y Raya Fest. 2011 / dcha.: algunas pruebas
· abajo izq: logo Punto y Raya Junior 2012 / dcha.: algunas pruebas

Se hizo conocido en su sector tras las exposción Cultural basura y Gráficas ocultas que acogió el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) en el año 2003. Ambas iniciativas tuvieron una gran repercusión y en Barcelona empezaron a aparecer copias de su metódica manipulación cuatricromática en flyers, revistas y carteles promocionales de eventos de actualidad y discotecas de moda. Para Gráficas Ocultas  (KrTu) su estudio también realizó motion graphics. El proceso consistía en ocultar las tipografías mezclando y jugando con las letras, con una cierta influencia del op-art.

Como autor ha publicado diversos libros, entre ellos News 8pm, Ideas Books (Amsterdam, 1997), Monstres, Szörnyek, Monsters (Budapest, 1998), Mots amagats. La magrana (Barcelona, 2000), Attitudes, Audi (Barcelona, 2001), Aiaiaiaiaiaizzzzzzzzzbummm (Eumoeditorial, Barcelona, 2002) que fue Premio Narratives 0 en 2001, Hay un avión en el parking y Portátil (Barcelona, 2002).

Actualmente está diseñando una gran instalación con leds para un espacio que se encuentra junto a la plaza de las Glòries de Barcelona; será un nuevo espacio permanente para la ciudad. También diseña una bicicleta Brompton para una empresa de Londres que se llamará Barcelona special edition. Además, está diseñando el póster del V Congreso Internacional de Tipografía (de Valencia) y una exposición para Arts Santa Mònica.

Para enterarte más sobre su obra (tanto abstracta como figurativa), visita su web www.torrents.info

Es un placer anunciar que Punto y Raya Festival ha sido invitado a participar en el mercadillo del OFFF Barcelona 2012, que se realizará del 17 al 19 de Mayo en DHUB (Disseny Hub Barcelona) ubicado en Plaza de les Glories Catalanes 37. Allí  estaremos difundiendo nuestras actividades en relación a la primera edición JUNIOR 2012, información sobre las ediciones anteriores + DVD’s de Lo Mejor de Punto y Raya y disfrutando lo más que se pueda de la programación OFFF de este año (que promete mucho :)

OFFF es una entidad en continua transformación, viva y evolutiva. Más de una década atrás, nació como un festival de cultura post-digital: un lugar de encuentro para albergar la creación contemporánea a través de un profundo programa de conferencias, talleres y performances a cargo de los artistas más importantes de nuestro tiempo.

Actualmente, OFFF continúa siendo un evento de referencia en todo el mundo; un fenómeno que también ha producido la creación de una extensa red internacional de artistas, desarrolladores, teóricos y aún más importante, de gente que ama el arte en todas sus múltiples expresiones: estudiantes, fans y curiosos. Gente que quiere enseñar lo que hace, descubrir lo que hacen otros y compartir su conocimiento y deseos para inspirar y ser inspirado.

Toda la información sobre el OFFF Barcelona 2012 | Let’s feed the future  puede encontrarse en su website: http://www.offf.ws

1. Enseña imágenes de este tipo de pintura a los estudiantes. Explícales la historia de la pintura de puntos (dot·painting) en Australia. Hay varios sitios con información al respecto, pero en líneas generales, la idea es ésta: los aborígenes usaban pintura de puntos como una forma de narrar una historia o documentar sus prácticas rituales, pasando las historias orales también como expresiones musicales o artísticas. Usaban estas pinturas como una guía (parecido a cómo nosotros usamos apuntes para dar un discurso) a medida que contaban la historia.

Los músicos de Didgeridoo (ese típico instrumento de viento aborigen de Australia) tocaban mientras los narradores contaban sus historias. Muchas veces las historias graficaban un secreto, y sólo ciertos miembros de la tribu tenían permitido conocer su contenido (que en general, retrataba prácticas rituales). Por ello, cubrían las pinturas de puntos para camuflarla. Sólo los “enterados” podían descifrar las imágenes escondidas debajo. Una de las historias más comunes contada en pinturas de puntos es la historia de la creación o Dreamtime.

2. Los estudiantes deben comenzar eligiendo un papel donde pintar; preferentemente en la gama del marrón, para simular la corteza de árbol que los aborígenes utilizaban. Luego deben dibujar diseños SIMPLES con pincel, muy suavemente. Es importante la simpleza, ya que es difícil obtener una pintura detallada trabajando con cotonetes o palos. Las mejores ideas son simples formas de animales, hojas, figuras de palos, etc. Deben ser orgánicas, ¡nada de coches de carrera o personajes de caricaturas!

3. Luego, demuestra cómo crear los puntos presionando el cotonete contra la pintura de manera perpendicular, y luego, siempre perpendicularmente, presionando el cotonete embebido contra el papel. Los estudiantes más grandes no deberían necesitar una demostración. Para crear puntos de distintos diámetros, pueden usarse otros objetos como fósforos, el final de un lápiz o incluso mondadientes. Anima a los estudiantes a mezclar los colores para obtener tonos terracota. Los aborígenes no tenían pinturas como las conocemos hoy en día. Usaban elementos que encontraban a su alrededor -ocre, tierra, semillas trituradas, etc. Una vez que los estudiantes hayan punteado sus elementos principales, deben comenzar a camuflar la pintura con puntos de otros colores y patrones. También se utilizan mucho líneas espiraladas y curvas de color.

4. A medida que pintan, léeles historias del libro El Emu Volador y otras historias de Sally Morgan (una autora, dramaturga y artista aborigen de Australia). Pon música  didgeridoo de fondo para crear ambiente. ¡A los niños les encanta! Es como si te transportara, y en mi experiencia, la música era relajante y les permitió introducirse de lleno en sus pinturas.

El artículo original de Maggie Yant puede encontrarse aquí.

¿Quieres ver cómo pintan los artistas aborígenes profesionales? Aquí hay algunos ejemplos:

Janie Ward Nakamarra

Judy Watson Napangardi pinta el Dreaming Mina Mina ‘Jukurrpa’ (2011)

John Turnbull

Hay muchos más ejemplos online listos para ser descubiertos.

Recuerda que nuestras convocatorias fotográfica y de cortometrajes abstractos del Punto y Raya Junior están abiertas hasta el 15 de Agosto 2012. La participación es gratuita y se puede enviar el material online. Toda la info en www.puntoyrayafestival.com

· Mick Namarari Tjapaltjarri trabajando

En 1971, Geoffrey Bardon -el maestro de escuela de la comunidad- observó que los chicos dibujaban con los dedos diseños tradicionales sobre la arena del desierto. En sus clases de arte, comenzó a animarles para que representen motivos aborígenes. Al principio, los niños se mostraban muy reservados a la hora de expresar su obra, pero poco a poco Bardon se ganó el respeto y confianza de los mayores de la tribu. En julio de 1971 y bajo su supervisión directa, logró que siete hombres aborígenes pintaran un mural sobre la pared de la escuela. La obra inspiró a muchos otros a comenzar a pintar.

· Kaapa Tjampit: Gulgardi, Men’s Ceremony for the Kangaroo (1971)

Tan grande fue el entusiasmo ocasionado que se produjeron más de 600 pinturas y hasta 300 piezas de artesanía en los siguientes 18 meses. La pintura de arriba compartió el primer premio en la Competición de Arte de Alice Springs. Si bien los artistas usaban un estilo de pintura tradicional sobre la arena y como adorno corporal (en ceremonias), la mayoría nunca había pintado en el estilo occidental antes; es decir, con acrílicos sobre una superficie dura. A medida que sus obras comenzaron a ganar popularidad, los artistas omitieron o cambiaron muchos de los símbolos espirituales para hacerlos aptos al espectador foráneo, ya que la comunidad aborigen les criticó por revelar “demasiada información sobre su tradición sagrada”.

Anatjari Tjakamarra (ca.1930-1992) trabajaba como jardinero cuando Geoffrey Bardon comenzó a motivar a las hombres a usar materiales estilísticos occidentales en sus pinturas.

· Kangaroo rat dreaming

· arriba izq.: Men’s dreaming / dch.: Kuningka
· abajo izq.: Big Pintupi Dreaming Ceremony (1972) / dch.: Untitled.

Clifford Possum Tjapaltjarri era un experto grabador en madera y se pasó a la pintura mucho tiempo antes de la emergencia de la escuela Papunya Tula. Cuando se unió a este movimiento del “punto y el círculo” en 1972, inmediatamente se distinguió como uno de los más talentosos miembros, y creó algunas de las pinturas más grandes y complejas que han sido pintadas.

· arriba: Untitled / abajo: Men’s ceremony

Mick Namarari Tjapaltjarri (1926-1998) fue la figura que inspiró el documental de Geoff Bardon: Mick and the Moon (Mick y la luna) de 1978. Sus obras más tempranas estaban realizadas sobre tablones. Los colores en sus últimas pinturas se volvieron más controlados cuando un agente de marketing le sugirió que así se venderían mejor.

· arriba: Flying dingoes / abajo: Caruana bandicoot (1998)

Algunas pocas mujeres, sobre todo Pansy Napangardi, comenzaron a pintar para la compañía hacia fines de la década de 1980. No fue sino hasta 1994 cuando las mujeres comenzaron a participar con mayor asiduidad.

· Pansy Napangardi, arriba: Winpari Rockhole (2004) / abajo: Hail Storm at Pili Pili

Éste es un vistazo rápido a algunas obras creadas por la siguiente generación de artistas de la escuela Papunya Tula:

· John Lee Tjakamarra

· Ronnie Tjampitjinpa

· Tingary series de Walala Tjapaltjarri

Hay numerosos vídeos en Youtube donde puedes encontrar documentales de algunos de los artistas mencionados en este artículo. Y muchos dibujos y pinturas de este movimiento pueden comprarse online. Éste es, por ejemplo, el trailer del documental “Point of Origin” (Punto de Origen):

Pronto publicaremos algunos ejercicios para niños sobre cómo crear pinturas en este remarcable estilo.

Fuentes:
http://www.wsws.org/
http://www.aboriginalartstore.com.au/artists/
http://www.nma.gov.au
http://en.wikipedia.org/wiki/Papunya_Tula

http://www.flickr.com/photos/zaloaipina

Su proyecto más reciente, Eguzki-printzak ikusgai / Visibles rayos de sol, se inaugurará este viernes 4 de mayo en la Sala de Cultura de Urretxu, Juan de Lizarazu (Guipúzcoa).  Nace a partir de dos series fotográficas: Argia ezta ikusten? / ¿La luz no se ve? y Argi distirak / Ráfagas de luz. Según nos cuenta la autora, “La luz vaga por el vacío a una velocidad de 299.729.458 m/s, por lo que invade continuamente el espacio ocupado o desocupado, ocupándolo y adueñándose de él. Este aspecto de expansión y ocupación del espacio se ha ido haciendo más presente en mi obra, donde se produce un trasvase de lo bidimensional a lo tridimensional. Las imágenes y los procesos de impresión bidimensionales como la serigrafía, presente en obras anteriores, ayudan a plasmar este concepto y materializar obras tridimensionales.”

“La luz es un tema recurrente en mi trabajo, y dadas las amplias posibilidades estéticas que ofrecen nuevos procedimientos plásticos, en este proyecto pretendo ahondar aún más en ella. El haz lumínico se ha plasmado como forma objetual, como movimiento, como concepto de gran velocidad (dada su condición física) y como hacedora de la inmensidad de colores existentes; y en esta ocasión se investigará sobre su capacidad para ocupar y adaptarse a cualquier espacio.”

Algunos de sus proyectos anteriores
Argi Distirak / Ráfagas de Luz
Ayuntamiento de Bergara, 22 julio – 14 agosto 2011

Tanto Argi Distirak como Argia ezta ikusten? parten de una poesía de Gabriel Aresti en cuyos versos dice “la luz no se ve”, como cuestionamientos estéticos y puntos de reflexión. Según la autora, “En estas instantáneas he conseguido materializar la luz, dotarla de corporeidad. Si bien la luz es invisible e incolora al ojo humano, gracias a ella podemos ver.”

Argia ezta ikusten? | 2009

Eguzki-printzak (75 x 100 cm):

Las series fotográficas Argia ezta ikusten? y Argi Distira dieron también a luz a las animaciones que llevan sus respectivos nombres y que Zaloa envió a las competiciones de Punto y Raya Festival 2009 y 2011. Las bandas sonoras fueron diseñadadas por Xabat Lertxundi. Más info en el perfil de Zaloa en Punto y Raya Festival

Algunas de sus Serigrafías:

· arriba, sobre tela. Abajo, sobre pizarra

Una de sus series en Offset; plancha de aluminio presensibilizada, a 4 colores:

Para ver más de sus obras, visita su perfil en Flickr

Es un placer anunciar que Zaloa actuará como jurado en la Convocatoria Fotográfica Internacional de la primera edición del Punto y Raya Junior, que se llevará a cabo los días 10 y 11 de noviembre 2012 en el CCCB (Barcelona). Ver bases de la convocatoria.

Graffiti Analysis es un proyecto de código abierto disponible online de forma gratuita para OSX, Windows y Linux. Los grafiteros están invitados a capturar y compartir sus propias firmas, y los programadores están invitados a crear nuevas aplicaciones y visualizaciones de los datos resultantes. Desde el lanzamiento de Graffiti Analysis, se han construido docenas de aplicaciones compatibles con GML, y se han subido más de 10,000 firmas a la base de datos 000000book. Lo que Martha Cooper hizo por la documentación del grafiti en película, y Chalfant/Silver hizo por la documentación del grafiti en vídeo, Graffiti Analysis intenta hacer por la documentación del grafiti en código. El projecto busca construir la colección de movimiento grafitero más grande del mundo, y unir dos comunidades -en apariencia, separadas- que comparten su interés por el hackeo de sistemas, ya sea en el código o en la ciudad.

Graffiti Analysis es un proyecto de Evan Roth. Todos los cambios en las versiones GAv2.0 y GAv3.0 fueron escritos por Mzz Chris Sugrue, con el apoyo de la Fundación Cartier y Les Grandes Traversees. GA1.0. Fue creado en el Parsons Art Media & Technology con la asesoría de Zach Lieberman. Graffiti Analysis fue construido en el Open Framewerkz. Otras contribuciones al código incluidas en GAv3.0 fueron hechas por Theo Watson (integración con la entrada de láser), Kyle McDonald (análisis de audio) y ps / TPOLM (.gml RSS system).

Para descargar la aplicación, haz click aquí.
Para mayor información, haz click aquí.

Fuente:
http://graffitianalysis.com/

www.aelitaandreart.com

El prodigio en cuestión es Aelita Andre, la niña que ha exhibido alrededor del mundo y ha aparecido en la prensa internacional y en los más importantes programas de televisión como 60 Minutos y Today Tonight. Es también miembro de NAVA, la Asociación de Artistas Visuales de Australia.

arriba: Rainbow Space (2011), abajo: The Camel

A sus cuatro años, la artista Aelita Andre es la pintora profesional más joven del mundo. Utilizando acrílicos y diversos soportes, crea grandes cuadros de formas abstractas a medida que se retuerce, se estira y arroja pintura sobre la tela. Lo que hace a la obra de Aelita tan atrapante es la ligereza que prevalece; una aproximación descuidada que permanece completamente inocente de todo, excepto de aquellos materiales que yacen frente a ella.

Colores puros y formas sin restricciones resultan en una inmediatez y espontaneidad que hacen de cada pintura una obra única. Aún así, bajo su aproximación libre, hay una real atención hacia la composición y la forma; un testamento a su intuitivo prodigio artístico. Estas pinturas son contemplativas y poderosas, proveyendo una ventana hacia la mente subconsciente -creativa y emancipada- de esta niña.

arriba: Lava (2011), abajo: Cosmos 4

Aelita Andre es de ascendencia rusa, pero vive actualmente con sus padres en Melbourne, Australia. Obtuvo su reconocimiento internacional cuando tenía 20 meses de edad y creó su primer cuerpo de trabajo significativo, antes de cumplir los 2 años. Como podéis esperar de alguien con semejante biografía, el arte de Aelita tiene un poder crudo que deja en los espectadores una clara impresión de su talento nato. Sin limitaciones, canaliza su curiosidad y vivacidad tan intensamente que pueden sentirse a través de sus pinturas, casi como si constituyeran una fuerza tangible en el mundo.

No hay nada predeterminado en la obra de Aelita. Evidentemente, disfruta explorando nuevas vías y encontrando todo el tiempo desafíos y técnicas que le ayudan a crear en la forma que desea. Además de su habilidad para usar una gran gama de herramientas – desde pinceles a espátulas, dedos y manos- también experimenta con una variedad de materiales, incluyendo a veces objetos que ha encontrado como hojas, ramitas y purpurinas para dar a su obra una superficie tridimensional.

arriba izq.: Miami (2011), arriba dch.: Dragonfly at Sunrise, abajo: Butterfly Nebula 5

La historia sobre cómo Aelita se convirtió en una sensación mundial es atrapante. Sus padres son artistas profesionales, así que siempre encontró montones de papel, telas y pinturas a medida que comenzó a explorar el mundo a su alrededor. Como muchos niños, le encantaba expresarse artísticamente desde una temprana edad, pero los ojos entrenados de sus padres fueron capaces de ver que había algo conmovedor y poderoso en la obra de la niña, y que no se parecía en nada a los típicos garabatos de la infancia.

¡Aquí puedes ver a Aelita en acción!

A pesar de toda su fama y sus viajes internacionales, continúa manteniendo la perspectiva inocente e infantil de una niña, dejando que sus percepciones intuitivas y sus fantasías salpiquen su arte en una ráfaga apasionada de color y forma. El resultado tiene un sentido caprichoso de libertad y movimiento, como si cualquier cosa pudiese pasar en cualquier momento; y si pasa, todos estaremos listos para saltar e involucrarnos.

Puedes comprar su increíble obra online a través del sitio de ARTmine

Fuentes:
http://www.art-mine.com/artistpage/aelita_andre.aspx
http://agoraartgalleryblog.com/the-prodigy-of-color-aelita-andre-a-solo-exhibition/

“Me he concentrado con particular énfasis en el desarrollo de un lenguage dinámico e inspirado visualmente, que demuestre que la coreografía de gráficos puros es capaz de transmitir la verdad no-verbal.”

Pero además de su rol como educador, Engel fue reconocido como una de las figuras más importantes de la animación abstracta. Fue galardonado por el Cardiff Animation Festival con el Premio del logro a toda una vida, y por el Ottawa International Animation Festival con el prestigioso premio Norman McLaren. Ganó otros tantos premios y honores a lo largo de su carrera, que incluyen Fantasía de Disney y la co-fundación de los estudios UPA (United Productions of America).

· Extracto de Silence (1968)

· Extracto de Train Landscape (1974)

· Extracto de Villa Rospigliosi (1974)

· Extracto de The Meadow (1994)

La obra de Jules como artista fílmico necesita ser preservada y distribuida para que continúe inspirando a las generaciones presentes y futuras. Engel dejó sus materiales fílmicos a cargo del iotaCenter para su archivo permanente, su preservación y distribución. El DVD Jules Engel: Selected Works, Volume I está ahora a la venta a través de la tienda online del iota; contiene una colección de 14 films de animación experimental que abarcan tres décadas y media.

Además, el Proyecto Jules Engel apoya la investigación y publicación, principalmente la que está a cargo de la biógrafa de Jules, Janeann Dill.

Siguiendo este link podrás colaborar con el proyecto y ver un extracto de su documental “Jules Engels, An Artist for all seasons”:

Fuentes:
http://www.iotacenter.org/projects/engel
http://www.indiegogo.com

Hasta el 5 de junio se estará exhibiendo en el Tate Modern la mayor retrospectiva dedicada a la obra de Yayoi Kusama realizada en el Reino Unido. Cubriendo una práctica que abarca casi seis décadas, las 14 salas que se le han dedicado exhiben un amplio espectro de exploraciones de la autora en el arte mediático. Incluyendo tempranas fotografías manipuladas, esculturas blandas e instalaciones inmersivas, así como pinturas y obras escultóricas recientes, la retrospectiva en el Tate envuelve a los visitantes en una de las prácticas más individuales e idiosincráticas emergidas de la escena neoyorquina de los 1960′s.

· Algunas pinturas de Kusama exhibidas en el Tate Modern. Arriba: Pacific Ocean (+ detalle). Medio: Leaves (1954) y debajo, Transmigration (2011)

Las nueve décadas de la vida de Yayoi Kusama la han llevado desde el Japón rural a la escena artística neoyorquina sesentera para regresar al Tokyo contemporáneo, en una carrera donde ha innovado y reinventado su estilo constantemente. Reconocida por sus patrones repetitivos de puntos, su obra abarca una asombrosa variedad de soportes y formatos, incluyendo pintura, dibujo, escultura, cine, performance y la instalación inmersiva.

· Peepshow, Castellane Gallery (New York, 1966)

Sus obras se han movido por los más variados estilos, partiendo de formas fetichistas híper-sexualizadas, como sus Accumulation sculptures (1962-1966) y de lo que algunos consideran “excesos gráficos” como sus tempranos auto-retratos, Self-Obliteration (1967).

En 1969, creó la obra de vídeoarte titulada Kusama’s Self-Obliteration, fotografiada y editada por Jud Yalkut. Puedes echarle un vistazo en tres partes aquí ;)

Desde 1977 Kusama ha estado residiendo voluntariamente en una institución psiquiátrica, y la mayor parte de su obra ha sido marcada por sus obsesiones y su deseo de evadirse de su trauma psicológico. En un intento de compartir sus experiencias, crea instalaciones que sumergen al espectador en su obsesiva visión de puntos interminables y de redes o espacios reflejados por espejos infinitamente.

· Instalación Mirror room (Pumpkin) arriba, e Infinity mirror room abajo.

La aplicación y manipulación del motivo del Punto es el leiv-motif de su multifacética obra, y lo que da cierto hilo condutor a la que ha sido llamada “una práctica camaleónica”.
El punto se ha desplazado, ha crecido y metamorfoseado en varios patrones repetitivos a lo largo de los años, desde el punto singular, a la red, a burbujas semi-fálicas, para regresar al punto nuevamente.

· Instalación Dots Obsession (Obsesión por el Punto)

En los últimos años, su continua devoción por el motivo del punto le ha sido merecedora del título de “Princess of Polka Dots” (Princesa de los Puntos Polka), que es también el título de un largometraje documental sobre la vida de la artista y su obra, actualmente en producción.

· Instalación Polka Dots Madness (Locura de Puntos Polka)

Y para cerrar, aquí hay algunas fotos de su famosa instalación Obliteration Room (2011). Lo que puedes lograr dándole a cientos de niños una habitación blanca y millones de gomets…

Éste es un extracto del documental en preparación “Princess of Polka Dots:

Fuentes:

http://en.wikipedia.org/wiki/Yayoi_Kusama

http://artobserved.com/2012/03/london-yayoi-kusama-retrospective-at-tate-modern-through-june-5-2012/

Hervé Tullet nació en 1958. Tras estudiar Bellas Artes y Artes Decorativas, trabajó como director de arte durante diez años (1981/1992), así como en el ámbito de la comunicación y la publicidad. En 1990 produjo sus primeras ilustraciones para la prensa en Francia y el extranjero (Elle, Le Monde, Liberation, Reading, Kids Magazine, etc.. ), y en 1994, publicó su primer libro para niños. Desde entonces, se dedica a la ilustración y la pintura. Un gran amante de la literatura infantil, es padre de dos niños y una niña, quienes nunca cesan de inspirarle.

www.herve-tullet.com/en/accueil.html

Su brillante Press here (traducido curiosamente al castellano como Un libro)  demuestra que los libros necesitan relajarse con el tema de los gadgets electrónicos; sus coloridos puntos son tan atractivos y atrapantes sobre el papel como cualquier animación en la pantalla de un iPad.

Fuente:
http://www.amazon.com/Press-Here-Herve-Tullet/dp/0811879542