6’ · cgi · b/n · 16 mm · 1985 · Santa Cruz·CA, USA

Una secuencia coreográfica de eventos gráficos construida a partir de sencillos elementos que se repiten y organizan en una estructura jerárquica. El elemento más simple es una figura lineal similar a una cinta que aparece, continúa su camino a lo largo de la pantalla y finalmente desaparece.
El siguiente nivel en la jerarquía es una forma geométrica compuesta de copias múltiples de la figura·cinta desplazándose en el espacio·tiempo. A este nivel las copias se extienden en un patrón simétrico bidimensional, se desfasan para seguirse unas a otras o bien realizan una combinación de ambas.
El nivel más elevado es el arreglo secuencial de estos eventos gráficos en una coreografía que describe la composición de principio a fin.

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Larry Cuba
[Atlanta·GA, USA 1950]

Larry Cuba trabaja en la tradición conocida como “animación abstracta”, “absoluta” o “concreta”. Sus obras están caracterizadas por diseños en cascada, asombrosos cambios en perspectiva y una estructura matemática precisa. Cuba estudió en la Universidad de Washington y en Cal Arts, donde obtuvo su Máster en Animación. Ha obtenido las becas NEA y AFI Independent Filmmakers y sus obras se han proyectado en numerosas exhibiciones, incluyendo Trickfilm/Chicago (1980) y Lo Mejor de Hiroshima '85. Cuba fue también artista en residencia en el Instituto de Visual Media del ZKM en Karlsruhe, Alemania.
-- Gene Youngblood

8’ · cgi · b/n · 16 mm · 1979 · Los Angeles·CA, USA

La imaginería en esta pieza consiste de puntos blancos sobre un fondo negro. Al realizar una serie de operaciones de simetría [traslaciones, rotaciones, reflexiones, etc.] sobre una figura básica o “mosaico”, se generan patrones similares a los mosaicos de los templos islámicos.
Doce de estos patrones construidos a partir de nueve figuras son animados para producir la ilusión de que fondo y figura invierten posiciones, e incluso se aprecian residuos de color.
La animación se desarrolla al ritmo de música javanesa de 200 años de antigüedad.

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Larry Cuba
[Atlanta·GA, USA 1950]

Larry Cuba trabaja en la tradición conocida como “animación abstracta”, “absoluta” o “concreta”. Sus obras están caracterizadas por diseños en cascada, asombrosos cambios en perspectiva y una estructura matemática precisa. Cuba estudió en la Universidad de Washington y en Cal Arts, donde obtuvo su Máster en Animación. Ha obtenido las becas NEA y AFI Independent Filmmakers y sus obras se han proyectado en numerosas exhibiciones, incluyendo Trickfilm/Chicago (1980) y Lo Mejor de Hiroshima '85. Cuba fue también artista en residencia en el Instituto de Visual Media del ZKM en Karlsruhe, Alemania.
-- Gene Youngblood

8’ · cgi · color · 16 mm · 1975 · Los Angeles·CA, USA

En Arabesque, Whitney utilizó la combinación de ordenadores y osciloscopios para crear una serie de ondas sinusoidales y curvas parabólicas en continua transformación, que hacen honor a la exótica composición musical Persian Santur de Manoochelher Sadeghi. Puede apreciarse aquí cómo Whitney ha sido influenciado por los mosaicos de la arquitectura islámica; su simetría y su modulación son análogos a los mosaicos temporales, creando una trama compleja de motivos musicales.
-- Paul Prudence, Data Is Nature

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John Whitney Sr.
[Los Angeles·CA, USA 1917 | USA +1996]

Desde sus más tempranos experimentos con los sistemas gráficos por ordenador, John Whitney Sr. ha combinado el uso de la tecnología más avanzada con una fuerte integridad y sentido del control artístico. Considerado por muchos como el "padre de la gráfica por ordenador", John Whitney Sr. –y toda la familia Whitney- ha combinado con éxito la composición musical con el cine experimental y la imaginería generada por ordenador. Desde sus obras reconocidas en la primera Competición Internacional de Cine Experimental de Bélgica en 1949, hasta su obra maestra Arabesque en 1975, John Whitney Sr. continuó siendo un verdadero pionero hasta su muerte en 1996, a los 78 años.
-- The John Whitney Sr. Biographical Website

6’ · cgi · b/n · 16 mm · 1978 · Chicago·IL, USA

Dieciséis “objetos” formados por cien puntos de luz, realizan una serie de transformaciones rítmicas coreografiadas con precisión. Al ritmo de una composición para Shakuhachi -flauta japonesa de bambú- este film es un ejercicio en percepción visual del movimiento y de la estructura matemática.

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Larry Cuba
[Atlanta·GA, USA 1950]

Larry Cuba trabaja en la tradición conocida como “animación abstracta”, “absoluta” o “concreta”. Sus obras están caracterizadas por diseños en cascada, asombrosos cambios en perspectiva y una estructura matemática precisa. Cuba estudió en la Universidad de Washington y en Cal Arts, donde obtuvo su Máster en Animación. Ha obtenido las becas NEA y AFI Independent Filmmakers y sus obras se han proyectado en numerosas exhibiciones, incluyendo Trickfilm/Chicago (1980) y Lo Mejor de Hiroshima '85. Cuba fue también artista en residencia en el Instituto de Visual Media del ZKM en Karlsruhe, Alemania.
-- Gene Youngblood

10’ · stop-motion · color · 16 mm · 1978 · USA

En una breve escena de nuestro primer film-collage utilizamos "Avery Labels", esas pegatinas geométricas (o "gomets") que vienen en colores planos y brillantes (los mismos que utiliza Dennsion). Años más tarde, un colega diseñador gráfico nos comentó que uno de sus nuevos clientes era Avery Labels. Esto nos inspiró a presentarles una propuesta (con éxito) de realizar un film animado utilizando únicamente pegatinas; para ello les solicitábamos la donación del material.

Durante meses, Caroline y yo -y otros dos amigos más- pegamos pegatinas Avery sobre cuadrículas formando todo tipo de estampados que pudiéramos concebir. Luego, temiendo que el resultado fuese sólo de interés para los que gustan de la animación abstracta, organizamos "escenas" que orquestamos como una narración sobre una persistente flecha roja decidida a deshacerse de un puntito blanco, que tenía el poder de metamorfosearse en cualquier forma o color que deseara.

Este film habría sido imposible sin la donación de Avery Label Company de miles de pegatinas, más los fondos suficientes para pagar la semana de filmación en la mesa de animación en Oxberry.  La parte más difícil fue tener que usar una manguera de aire para remover la pelusa que se adhería y limpiar las aureolas de las pegatinas, mientras filmábamos múltiples cuadrículas colocadas sobre un papel negro brillante.  La banda sonora fue concebida y grabada una vez terminada la filmación.
-- Frank Mouris

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Caroline Ahlfors Mouris & Frank Mouris
[Zürich, Suiza · 1945] [Key West·FL, USA · 1944]

Nacida en Zürich, Caroline Ahlfors Mouris creció en las afueras de Boston y estudió en Harvard. Frank Mouris también creció en las afueras de Boston y estudió en Harvard, además de en Yale. Ambos estudiaron en el Instituto de Cine Norteamericano.

Su primer film conjunto, “Frank Film” (1973) obtuvo el Oscar al mejor cortometraje animado. Luego vino una serie de reconocidos cortometrajes independientes como “Coney” (1975), “Screentest” (1979), “Impasse” (1978) y “Frankly Caroline” (1999). Además, realizaron animaciones-collage para el Taller de Televisión Infantil, MTV, VH1, Nickelodeon, HBO y Disney, entre muchos otros.
En 1977 completaron su cortometraje dramático “And Then” y en 1984, New World Pictures estrenó su comedia largometraje "Beginner's Luck". Sus dos documentales, “Tennessee Sampler” y “LA LA, Making it in L.A.” fueron finalizados en 1973 y 1979, respectivamente.

4’ · color · dibujo · 16 mm · 1959 · París, Francia

Chasse des Touches es una expresión abstracta hecha moviendo dedos a lo largo de una bandeja con capas de aceite coloreado, al ritmo de una obra de cool jazz de Thelonious Monk.
-- Dr. William Moritz

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Hy Hirsh
[Chicago·IL, USA 1911 | París, Francia +1961]

Hy Hirsh trabajó como editor, camarógrafo y fotógrafo para los Estudios Columbia desde 1930 a 1936 con el objetivo de mantenerse mientras intentaba ganarse su reputación como fotógrafo artístico. Trabajó como fotógrafo de 1936 al 37, llegando a convertirse en el fotógrafo oficial del DeYoung Museum en San Francisco. Durante este período realizó numerosas exhibiciones individuales de su obra fotográfica.
En 1955 Hirsh se mudó a Europa, trabajando en España, Holanda (en el estudio de animación con marionetas Dollywood) y en Francia haciendo spots publicitarios y produciendo fotografías para Elle, Realities, Vanity Fair y otras muchas revistas. Cuando murió repentinamente de un paro cardíaco, la policía le encontró en posesión de hashish y sus bienes fueron incautados. Sus pertenencias fueron liberadas tres años después; un gran número de sus películas nunca aparecieron, y algunas sólo fueron preservadas como copias de proyección única. La preservación de sus films en la Creative Film Society de Los Angeles después de 1965 resultó ser de enorme influencia para realizadores emergentes como Pat O'Neill, William Moritz y Chick Strand.

7’ · op·art, scratch · color · 16 mm., 1960 · París, Francia

Scratch Pad mezcla el grafiti con material de archivo e imagen real, mientras su film Gyromorphosis enmarca con primeros planos una estructura metálica -como una escultura tridimensional- y los enriquece con superposiciones de capas.

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Hy Hirsh
[Chicago·IL, USA 1911 | París, Francia +1961]

Hy Hirsh trabajó como editor, camarógrafo y fotógrafo para los Estudios Columbia desde 1930 a 1936 con el objetivo de mantenerse mientras intentaba ganarse su reputación como fotógrafo artístico. Trabajó como fotógrafo de 1936 al 37, llegando a convertirse en el fotógrafo oficial del DeYoung Museum en San Francisco. Durante este período realizó numerosas exhibiciones individuales de su obra fotográfica.
En 1955 Hirsh se mudó a Europa, trabajando en España, Holanda (en el estudio de animación con marionetas Dollywood) y en Francia haciendo spots publicitarios y produciendo fotografías para Elle, Realities, Vanity Fair y otras muchas revistas. Cuando murió repentinamente de un paro cardíaco, la policía le encontró en posesión de hashish y sus bienes fueron incautados. Sus pertenencias fueron liberadas tres años después; un gran número de sus películas nunca aparecieron, y algunas sólo fueron preservadas como copias de proyección única. La preservación de sus films en la Creative Film Society de Los Angeles después de 1965 resultó ser de enorme influencia para realizadores emergentes como Pat O'Neill, William Moritz y Chick Strand.

7’ · dibujo · color · 16 mm · 1976 · USA

Comienza como una caprichosa pieza de "hojas" de líneas corriendo por la pantalla y progresando hacia estampados geométricos cada vez más complejos, pero sin desviarse de los preceptos básicos de la animación "puntilínea". Piano de jazz de una ociosa tarde de domingo, y una paleta de colores primaverales.
-- Stephanie Sapienza

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Jules Engel
[Budapest, Hungría 1909 | USA +2003]

Jules Engel es un pionero tanto en el campo de la animación como del Visual Art. Nacido en Budapest en 1909, creció en las afueras de Chicago y luego se mudó a Los Angeles, donde pudo llevar con éxito sus carreras como artista abstracto y como realizador de cine experimental. La estética de Engel se basa siempre en el principio de abstracción, sea su obra figurativa o no y sin importar su propósito.
La contribución de Engel a dos películas de Disney en particular, Fantasia y Bambi, contiene la aguda estética visual que Engel exploró y desarrolló posteriormente en su obra como cineasta y artista. Reconocido como un temprano modernista californiano, la extensa exhibición de su obra artística se complementa con la realización de más de 30 películas experimentales y animadas de manera independiente.
Como profesor, Engel también ha ejercido una inmensa influencia sobre artistas y realizadores internacionales que se han hecho su nombre desde Harvard a Hollywood.
-- Janeann Dill [extracto]

3’ · dibujo · color · 16 mm · 1974 · USA

Un paisaje que pasa rápidamente como visto a través de la ventana de un tren en movimiento… Después de un minuto o así, nos olvidamos de la narrativa y nos abandonamos de lleno a la energía de los efectos ópticos que se despliegan ante nosotros.
-- Loretann Devlin-Gascard

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Jules Engel
[Budapest, Hungría 1909 | USA +2003]

Jules Engel es un pionero tanto en el campo de la animación como del Visual Art. Nacido en Budapest en 1909, creció en las afueras de Chicago y luego se mudó a Los Angeles, donde pudo llevar con éxito sus carreras como artista abstracto y como realizador de cine experimental. La estética de Engel se basa siempre en el principio de abstracción, sea su obra figurativa o no y sin importar su propósito.
La contribución de Engel a dos películas de Disney en particular, Fantasia y Bambi, contiene la aguda estética visual que Engel exploró y desarrolló posteriormente en su obra como cineasta y artista. Reconocido como un temprano modernista californiano, la extensa exhibición de su obra artística se complementa con la realización de más de 30 películas experimentales y animadas de manera independiente.
Como profesor, Engel también ha ejercido una inmensa influencia sobre artistas y realizadores internacionales que se han hecho su nombre desde Harvard a Hollywood.
-- Janeann Dill [extracto]

4’30’’ · dibujo · color · 16 mm · 1975 · Los Angeles·CA, USA

Una animación abstracta que parece arrancar risas, principalmente, debido a su banda sonora, que suena como un grupo de patos dementes buscando la unidad con el “Todo” cantando energética y persistentemente ¡¡¡BUBUBABU!!! La imaginería es elaborada, con colores brillantes, y cada golpe rítmico de la banda sonora produce su propia marquita en la banda visual.

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Adam Beckett
[Los Angeles·CA, USA 1950 | Los Angeles·CA, USA +1979]

Entre 1970 y 1975, Beckett completó siete films clave: The Letter (con James Gore), Dear Janice, Evolution of the Red Star, Sausage City, Flesh Flows, Heavy-Light y Kitsch in Sync. Dos animaciones independientes más extensas han quedado sin terminar debido a que Beckett se volcó a la creciente industria de los efectos visuales y a su trágica muerte en 1979, a la edad de 29.
La aproximación de Beckett a la animación se distingue por el uso de una impresora óptica junto a la mesa de animación. Beckett favoreció el uso complejo de loops animados: cada iteración sucesiva sumaba imágenes de forma tal que los loops no sólo se repetían sino que evolucionaban, resultando ser los mismos a la vez que diferentes. Además del dibujo, Beckett utilizaba la cámara óptica para re-fotografiar varios ciclos: desplazaba los cuadros para crear un ritmo desfasado y cambiaba el color o re-encuadraba una porción del dibujo en secuencias determinadas.
En 1975, Beckett dirigió su propio estudio, "Infinite Animation", y fue luego reclutado como director del Departamento de Rotoscopia y Animación en el legendario film de ciencia ficción Star Wars.
-- Pamela Turner

7’ · op·art · color · 16 mm · 1973 · USA

Una de esas animaciones abstractas donde haces de luz coloreada y ricamente texturada, se mueve en un espacio tridimensional negro. Las imágenes y la música electrónica se unen en una estructura rígida compuesta de tres partes principales, que progresivamente desarrollan tres sub-partes. A primera vista, podría parecer como si este film hubiese sido realizado con ordenadores o vídeo, pero sólo contiene animación stop-motion y un extenso uso de la impresora óptica.

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Adam Beckett
[Los Angeles·CA, USA 1950 | Los Angeles·CA, USA +1979]

Entre 1970 y 1975, Beckett completó siete films clave: The Letter (con James Gore), Dear Janice, Evolution of the Red Star, Sausage City, Flesh Flows, Heavy-Light y Kitsch in Synch. Dos animaciones independientes más extensas han quedado sin terminar debido a que Beckett se volcó a la creciente industria de los efectos visuales y a su trágica muerte en 1979, a la edad de 29.
La aproximación de Beckett a la animación se distingue por el uso de una impresora óptica junto a la mesa de animación. Beckett favoreció el uso complejo de loops animados: cada iteración sucesiva sumaba imágenes de forma tal que los loops no sólo se repetían sino que evolucionaban, resultando ser los mismos a la vez que diferentes. Además del dibujo, Beckett utilizaba la cámara óptica para re-fotografiar varios ciclos: desplazaba los cuadros para crear un ritmo desfasado y cambiaba el color o re-encuadraba una porción del dibujo en secuencias determinadas.
En 1975, Beckett dirigió su propio estudio, "Infinite Animation", y fue luego reclutado como director del Departamento de Rotoscopia y Animación en el legendario film de ciencia ficción Star Wars.
-- Pamela Turner