Esta deliciosa pieza es su primera obra de producción independiente realizada un año antes de unirse al National Film Board de Canadá.

La banda sonora es una improvisación creada junto a unos amigos, ligeramente reorganizada utilizando el material original para la edición en 3 DVD’s que la NFB lanzará pronto con lo mejor de la obra de Hébert.


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PIERRE HÉBERT
[Montreal·Canadá 1944]

Pierre Hébert estudiaba antropología cuando comenzó a dibujar películas caseras directamente sobre el celuloide. Se unió al NFB en 1965 donde realizó Op Hop - Hop Op y Opus 3 entre otras.

El segundo período en su carrera, de carácter más político, fue inspirado por años de activismo y por el estudio de las obras de Marx y Brecht.

Su tercer período se caracteriza por una aproximación multidisiplinaria, colaborando con músicos de improvisación quienes le animaron a intentar rayar película en directo.

En 1999 dejó el NFB y continuó su carrera explorando las nuevas posibilidades que le brinda la informática.
www.pierrehebert.com

Rutterford estructura esta apasionante pieza en seis fragmentos para experimentar sonora y visualmente con líneas verticales que se desplazan lateralmente sobre una rejilla bidimensional variando en intensidad y color.

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ALEXANDER RUTTERFORD
[UK]

Graduado en diseño gráfico en la Escuela de Arte de Croydon en 1991, comenzó trabajando para la industria cinematográfica diseñando escenografías y vestuario para pelis como Judge Dredd y Lost in Space.

Fue miembro de la productora Black Dog [división promo de RSA] y trabaja ahora de forma independiente como director, creando vídeos musicales y cortos.

Sus trabajos incluyen vídeos para Radiohead, Autechre y Amon Tobin, y films experimentales como 3space sound engine.

Una secuencia coreográfica de eventos gráficos construida a partir de sencillos elementos que se repiten y organizan en una estructura jerárquica. El elemento más simple es una figura lineal similar a una cinta que aparece, continúa su camino a lo largo de la pantalla y finalmente desaparece.

El siguiente nivel en la jerarquía es una forma geométrica compuesta de copias múltiples de la figura·cinta desplazándose en el espacio·tiempo. A este nivel las copias se extienden en un patrón simétrico bidimensional, se desfasan para seguirse unas a otras o bien realizan una combinación de ambas.

El nivel más elevado es el arreglo secuencial de estos eventos gráficos en una coreografía que describe la composición de principio a fin.

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LARRY CUBA
[Atlanta·USA 1950]

Larry Cuba es uno de los artistas más importantes en la tradición conocida como animación abstracta, absoluta o concreta. Cuando aún estudiaba en el Instituto de las Artes de California, estaba convencido del potencial artístico de la gráfica por ordenador, pero por esas fechas las escuelas no enseñaban dicha disciplina. Así que Larry solicitó acceso a los modernos ordenadores del Laboratorio Jet Propulsion de la NASA y aprendió por sí mismo animación por ordenador produciendo su primera película, First Fig.

En 1975 John Whitney le invitó a realizar la programación de uno de sus films; el resultado de esta colaboración fue Arabesque. Más tarde Cuba produjo otras tres películas de animación por ordenador: 3/78 [Objects and Transformations], Two Space y Calculated Movements.

Como Raphael Bassan escribió en 1981 en un número de La Revue du Cinema, “La animación por ordenador establece un paralelo entre la percepción visual y una estructura lingüística u orden matemático: trata de establecer un nuevo campo de organización para el material estético… En la esfera del cine abstracto [a falta de un término mejor], la investigación de Larry Cuba es, de hecho, el origen de una nueva dirección que aún no tiene nombre…”.

Calculated Movements
Movimientos Calculados
Larry Cuba
1985 · 6’20'' · color · 16mm · USA



Q&A featuring Larry Cuba at the Silent Movie Theater, Los Angeles, Dec. 2nd, 2008

Realizado en colaboración con Evelyn Lambart y basado en sonidos que el mismo McLaren pintó sobre la banda sonora, el film forma parte de una trilogía punto·raya que comenzó en 1962 con Líneas Horizontales y Líneas Verticales.

Tras depositar personalmente una pequeña bola en el centro del cuadro, McLaren provoca espectaculares fuegos de artificio donde puntos estallan y se multiplican para generar líneas.

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NORMAN McLAREN
[Stirling·Escocia 1914 - Montreal·Canadá 1987]

Tras terminar sus estudios de arte en la Universidad de Glasgow en 1932, McLaren se incorporó a la Glasgow Film Society, donde descubrió el cine a través de las obras de Einsenstein, Pudovkin y Fischinger. Rápidamente comenzó a innovar en el medio con sus animaciones sin·cámara, pintando directamente sobre negativos o raspando la emulsión de la película. Conoció los avatares de la guerra al trabajar como cámara en 1936 durante la guerra civil española, por lo que ante la inminente Segunda Guerra Mundial decidió emigrar a Canadá, donde en 1941 se incorporó al National Film Board.

McLaren nunca cesó de explorar técnicas nuevas para experimentar con el espacio y el tiempo, el sonido y la imagen, la luz y el color. Y demostró que cualquier cosa es susceptible de animación, incluyendo sillas o vallas de madera. La música jugó siempre un papel importante en sus obras y de hecho, creó muchas de sus propias bandas sonoras raspando o pintando sobre película de sonido óptico.

Junto a Grant Munro produjo una serie de cinco películas llamada Animated Motion que constituye un verdadero curso de cine de animación debido a su análisis de los conceptos de espacio y tiempo. En 1952 ganó el Oscar junto a Munro por Neighbours y Blinkity Blank recibió la Palme d´Or en Cannes en 1955.

Precursor de Lazer Shows, Allures desarrolla la búsqueda espiritual de Belson por comprender el universo y la condición humana, tan personal a la vez que profundamente universal.

Es una combinación de estructuras moleculares y eventos astronómicos en un clima subjetivo e hipnótico donde puntos y rayas se conducen mutuamente al límite.

Para su realización Belson utiliza patrones de interferencia cuidadosamente diseñados para crear efectos complejos e hipnóticos. Una vez diseñada la secuencia, la filmaba íntegra en “tiempo real”.

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JORDAN BELSON
[Chicago·USA 1926]

Desde su primer film Transmutación en 1947, el arte sagrado es la naturaleza del trabajo de Belson; en sus composiciones todo encaja en perspectivas múltiples, lo micro y lo macro.

Entre 1957 y 1959 colaboró con el compositor Henry Jacobs en el histórico Vortex Concerts. Esta obra y la contemplativa Lumia de Thomas Wilfred inspiraron a Belson a abandonar la pintura y animación tradicionales para dedicarse a la creación de fenómenos visuales manipulando luz pura en algo muy similar al “tiempo real”. Ésta es la base tecnológica de sus más de 20 films.

Jugando con imágenes abstractas reales y de animación [punto·rayas en su mayoría], D-Fuse diseñó más de 100 streams de vídeo para la edición limitada CD/DVD del álbum Guero de Beck. Esta pieza es uno de ellos y presenta puntos creados por chispas o “haces de luz” en movimiento y finas líneas de color que crecen en complejidad al ritmo de una canción estilo 70's.

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D·FUSE
Colectivo de artistas en Londres que explora la amplia variedad de la comunicación mediática.

Trabajando con métodos trans·disciplinarios y tecnología punta, animan a su audiencia a reflexionar sobre el proceso de experimentar el arte de manera multi-dimensional y multi-sensorial.

D-fuse explora la performance audiovisual, el diseño web, gráfica, artes plásticas y arquitectura, TV y cine, y ha colaborado con músicos como Scanner, Beck, el compositor contemporáneo Steve Reich y la ensemble italiana Alter Ego .

En el hospital tras romperse el tobillo durante el rodaje de Mujer en la Luna de Fritz Lang, Fischinger diseñó una técnica nueva: dibujó con carboncillo sobre papel blanco y luego lo fotografió utilizando el positivo como negativo.

Gracias a su talento de ingeniero sincronizó los dibujos a discos fonográficos de Electrola, marcándolos con diversas “X” y calculando los clicks resultantes con una regla graduada deslizante. Así nacieron sus increíbles Estudios.

Hacia 1930 el sonido óptico reemplazó al fonógrafo y Fischinger comenzó a utilizar esta técnica en su Estudio nº 6. Construyó su Estudio nº 9 al ritmo de la sexta Danza Húngara de Brahms.

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OSKAR FISCHINGER
[Geinhausen·Alemania 1900 - L.A·US 1967]

Inspirado por la obra del pionero Walter Ruttman, Fischinger comenzó experimentando con líquidos coloreados y modelos tridimensionales en cera y arcilla. En 1924 fue contratado por Louis Seel para producir animaciones satíricas dirigidas al público adulto.

Paralelamente realizaba sus films y pruebas personales de carácter abstracto, probando técnicas novedosas que incluían el uso de proyectores múltiples. Tras el golpe de estado Nazi en 1933 el arte abstracto fue declarado “degenerado”, así que Fischinger tuvo que idear algunos trucos para continuar trabajando en su obra no·figurativa. Realizó varios films en secreto [como su Composición en Azul] y fue encarcelado en varias ocasiones.

En 1936 se trasladó a Hollywood con su esposa e hijo; allí, a pesar de sufrir serios problemas financieros y de integración, continuó creando films abstractos y comerciales así como pinturas al óleo. En 1940 realizó el bloque basado en la Fuga de Bach para Fantasia de Walt Disney y hacia comienzos de 1950, comenzó a experimentar también con película 3·d en estéreo.

Según el autor William Moritz, estaba fascinado por la relación entre la cosmología espiritual antigua y los nuevos descubrimientos científicos sobre los átomos y fenómenos cosmológicos. Fischinger expresaba esta dualidad de alguna forma en prácticamente toda su obra.

Jugando con líneas rectas verticales y horizontales generadas netamente por su propio software, Lukasz crea una ruidosa pieza cromática que nos transporta fácilmente por diferentes estados anímicos: desde la verticalidad y el apretujamiento a suaves paisajes abiertos en el horizonte.

Una pieza espectacular de perfecta sincronización entre imagen y sonido.

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LUKASZ LYSAKOWSKI
[Gdansk·Polonia 1974]

Como artista y diseñador, Lukasz explora la relación cibernética entre el ser humano y la máquina a través de la pantalla mediática.

Utilizando su propio software a medida [creado junto a su socio Lael Gerhart], Lukasz desarrolla performances audiovisuales en tiempo real de carácter altamente improvisado.

En el 2000 funda 242.pilots junto a HC Gilje y Kurt Ralske, con quienes realizó la performance “Live in Bruxelles” en el 2002. Es en este contexto que desarrolló su pieza “Solo”.

Como Standish Lawder señala, el énfasis de esta pieza está puesto en el movimiento analizado objetivamente más que en la expresividad de las líneas con movimientos claramente definidos, controlados por un tempo mecánico casi a fuerza de metrónomo.

Siendo la pieza original muda, Raúl Santos [a.k.a Supercinexcene] ha compuesto una banda sonora para esta proyección retrospectiva.

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VIKING EGGELING
[Lund·Suecia 1880 - Berlín·Alemania 1925]

“Viking” Eggeling emigró a Alemania a la edad de 17, donde trabajó de librero y estudió historia del arte y pintura. De 1911 a 1915 vivió en París y luego se mudó a Zürich, donde se unió al movimiento dadaísta.

Al terminar la Gran Guerra regresó a Alemania con el realizador Hans Richter; juntos exploraron la representación del movimiento, primero en rollos de dibujos y luego sobre película.

En 1922 Eggeling compró una cámara de 35mm. y esta vez sin Richter, buscó crear un nuevo tipo de cine. Así nació en 1923 su clásico Sinfonía Diagonal.

Esta pieza increíble nos transporta por un paisaje nocturno donde la figuración se sugiere a través de la juguetona iluminación lunar y sus reflejos en el agua.

Rayada sobre emulsión negra de forma tal que persistan pequeños bordes verdes y dorados, uno de los milagros de Luz de Luna [como en todos los films abstractos de la autora] es que el material no está editado.

Cada efecto, cada capa y cada movimiento preciso es generado directamente sobre la misma tira fílmica cuadro a cuadro, sin posibilidad de error.

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BÄRBEL NEUBAUER
[Klagenfurt·Austria 1959]

Esta realizadora y compositora musical establecida en Munich, ha creado más de 35 films experimentales desde 1980. Heredera de la música visual de Oskar Fischinger y del rítmico scratch de Len Lye, sus trabajos de los años ‘90 en formatos variados [35mm, 70mm Imax, quicktime para internet y performance en vivo] la convirtieron en una de las figuras centrales de la animación abstracta.

Desde el año 2000 trabaja con herramientas digitales para realizar episódicamente Flockenspiel, un proyecto complejo a partir de diversos cortometrajes inspirados en las estructuras fractales.
www.spiralsmorphs.de

La imaginería en esta pieza consiste de puntos blancos sobre un fondo negro. Al realizar una serie de operaciones de simetría [traslaciones, rotaciones, reflexiones, etc.] sobre una figura básica o “mosaico”, se generan patrones similares a los mosaicos de los templos islámicos.

Doce de estos patrones construidos a partir de nueve figuras son animados para producir la ilusión de que fondo y figura invierten posiciones, e incluso se aprecian residuos de color.

La animación se desarrolla al ritmo de música javanesa de 200 años de antigüedad.

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LARRY CUBA
[Atlanta·USA 1950]

Larry Cuba es uno de los artistas más importantes en la tradición conocida como animación abstracta, absoluta o concreta. Cuando aún estudiaba en el Instituto de las Artes de California, estaba convencido del potencial artístico de la gráfica por ordenador, pero por esas fechas las escuelas no enseñaban dicha disciplina. Así que Larry solicitó acceso a los modernos ordenadores del Laboratorio Jet Propulsion de la NASA y aprendió por sí mismo animación por ordenador produciendo su primera película, First Fig.

En 1975 John Whitney le invitó a realizar la programación de uno de sus films; el resultado de esta colaboración fue Arabesque. Más tarde Cuba produjo otras tres películas de animación por ordenador: 3/78 [Objects and Transformations], Two Space y Calculated Movements.

Como Raphael Bassan escribió en 1981 en un número de La Revue du Cinema, “La animación por ordenador establece un paralelo entre la percepción visual y una estructura lingüística u orden matemático: trata de establecer un nuevo campo de organización para el material estético… En la esfera del cine abstracto [a falta de un término mejor], la investigación de Larry Cuba es, de hecho, el origen de una nueva dirección que aún no tiene nombre…”.

Esta obra forma parte de su colección muX, que deriva su nombre del proceso digital “multiplexing”: la fusión de datos de audio y sonido en uno.

1/3 es una composición audiovisual de estética minimalista y de baja resolución. Basada en la tecnología de 1-bit, Chiaki crea esta impactante pieza punto·raya con diseño sonoro de Tristan Perich y Silvia Mincewicz.


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CHIAKI WATANABE

Conocida también como c.h.i.a.k.i., esta talentosa artista residente en Nueva York experimenta con estética abstracta y minimalista en diversos formatos como el vídeo, la animación gráfica, la instalación y la performance en vivo.

Sus principales fuentes de inspiración creativa son el sonido, la forma, el color y el movimiento.

Basándose en conceptos de la neuro·ciencia y la psicología, integra los medios audiovisuales con experiencias de percepción múltiple para explorar los límites del formato mediático.

Debido a que los films publicitarios no eran tan rigurosamente analizados por el partido Nazi, Fischinger preparó su Círculos usando el nuevo proceso Gasparcolor en tres colores.

Gracias al mensaje que añadió al final, “La publicidad llega a todos los círculos de la sociedad”, el film fue considerado "apropiado" por enseñar el flujo dinámico de círculos de colores.


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OSKAR FISCHINGER
[Geinhausen·Alemania 1900 - L.A·US 1967]

Inspirado por la obra del pionero Walter Ruttman, Fischinger comenzó experimentando con líquidos coloreados y modelos tridimensionales en cera y arcilla. En 1924 fue contratado por Louis Seel para producir animaciones satíricas dirigidas al público adulto.

Paralelamente realizaba sus films y pruebas personales de carácter abstracto, probando técnicas novedosas que incluían el uso de proyectores múltiples. Tras el golpe de estado Nazi en 1933 el arte abstracto fue declarado “degenerado”, así que Fischinger tuvo que idear algunos trucos para continuar trabajando en su obra no·figurativa. Realizó varios films en secreto [como su Composición en Azul] y fue encarcelado en diversas ocasiones.

En 1936 se trasladó a Hollywood con su esposa e hijo; allí, a pesar de sufrir serios problemas financieros y de integración, continuó creando films abstractos y comerciales así como pinturas al óleo. En 1940 realizó el bloque basado en la Fuga de Bach para Fantasia de Walt Disney y hacia comienzos de 1950, comenzó a experimentar también con película 3·d en estéreo.

Según el autor William Moritz, estaba fascinado por la relación entre la cosmología espiritual antigua y los nuevos descubrimientos científicos sobre los átomos y fenómenos cosmológicos. Fischinger expresaba esta dualidad de alguna forma en prácticamente toda su obra.

Lye deja de lado su interés por el color para concentrarse en el blanco y negro rayando película negra con utensilios dentales y otras herramientas punzantes.

Las líneas se mecen en permutaciones varias como una línea eléctrica elemental que evoca la creación en su forma más básica; un festín de luz penetrando en lo desconocido.

En esta celebración de energía, Lye lleva a una línea de paseo. Versión revisada de la pieza creada en 1958.

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LEN LYE
[Christchurch·Nueva Zelanda 1901 - Rhode Island·USA 1980]

Lye comenzó su increíble carrera como animador experimental en Londres en 1926, con obras como Tusalava y films comisionados por el Servicio Postal Británico.

Experimentaba continuamente con las posibilidades de las técnicas de animación sin cámara y en varias obras llegó a utilizar tinturas, aerógrafos, lápices blandos, tampones, peines e instrumentos quirúrgicos para crear imágenes y texturas sobre el celuloide.

En toda la obra de Breer hay una persistente sensación de azar colisionando con el orden; estructuras y relaciones aparecen y desaparecen superando toda expectativa.

Desafiando los mandatos cinematográficos sobre la continuidad narrativa, Breer crea un cine de angularidad discontinua, formal a la vez que llena de referencias personales. Este corto compuesto de líneas de tinta revoloteando en constante transformación sobre un fondo blanco está dedicado a su joven hija.

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ROBERT BREER
[Detroit·USA 1926]

Como estudiante en la Escuela de Arte de Stanford, Breer fue atacado por pintar como Mondrian en lugar de seguir el realismo socialista de sus maestros.

En 1949 se mudó a París y se sumergió en la abstracción pura y dura del neo·plasticismo. Allí comenzó una serie de experimentos fílmicos y en 1955 editó su flipbook Image Par Images.

En 1959 se reubicó en Nueva York, expandiendo su trabajo para incluir escultura cinética. Breer desarrolló una técnica lineal relacionada con la forma libre de los dibujos del suizo Paul Klee, y en sus films comenzó a utilizar la dinámica de la línea a mano alzada para capturar la sensación de humor y movimiento; para ello usó una técnica tan simple como lápiz sobre tarjetas blancas de 4” x 6”.

“Constituido por cientos de puntos de luz moviéndose constantemente, Lapis produce transformaciones maravillosas de espacio positivo y negativo, color proyectado e inducido por persistencia, similitud y diferencia; el espectador no puede evitar contemplar las relaciones entre la unidad y el todo, entre la conciencia individual y el cosmos, entre el espacio y el tiempo. No propone una meditación seca y forzada, sino un puro diálogo visual extremadamente sensual.

“Lapis”, “piedra” en latín, sugiere la piedra filosofal del alquimista, pero no es necesario ningún conocimiento de la doctrina hermética para apreciar este maravilloso despliegue; la transmutación ocurre directamente en la mente del espectador”. – William Moritz.

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JAMES WHITNEY
[California·USA 1921 - L.A·USA 1982]

A los 18 años James comenzó a colaborar con su hermano mayor John en films no·figurativos en 8mm. Estudiando filosofías orientales comprendió que ciertos principios cósmicos no se rinden fácilmente a explicaciones verbales, pero pueden ser vistos y “expuestos” a través de formas abstractas en sus películas.

Después de su famoso Film Excercises, James intentó durante seis años codificar un vocabulario ideográfico o alfabeto para esta expresión de ideas visuales. Únicamente quedó estética y espiritualmente satisfecho con la reducción de todos los componentes constituyentes a su forma más simple: el punto.

“Esta pieza nació de nuestro viejo deseo de reproducir una animación como si fuera música. La animación es un proceso que demora mucho tiempo; la diferencia temporal entre el tiempo de su creación y el tiempo en que puede ser vista es gigantesco.

La música, por otro lado, puede ser reproducida en tiempo real. Hay algo mágico en ese volcado instantáneo que nos motivó a aplicarlo a gráficos en movimiento. Así que, aunque aún teníamos mucho trabajo preparativo usando técnicas de animación más convencionales, la grabación final fue hecha en tiempo real en reacción directa a la canción.”
- InsertSilence.

La música es Just playing scared de The Big Lazy.

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AMIT PITARU & JAMES PATERSON
[Jerusalem·Israel 1974] & [London·UK 1980]

Fundada en 2001, Insertsilence es el sello bajo el que Paterson y Pitaru editan sus trabajos en común.

Paterson es un artista visual que trabaja también como ilustrador y diseñador gráfico y mediático.

Pitaru es batería de jazz que se ha reconvertido en programador de software para facilitar su trabajo en los campos del arte audiovisual, música, gráfica y diseño interactivo. Han realizado trabajos para Björk, Playstation2, Nike, Diesel and Mick Jagger.

Insertsilence.com
http://pitaru.com
http://presstube.com

Este juego de palabras define la más perfecta sincronía entre imagen y sonido.

McLaren empleó novedosas técnicas ópticas para componer los ritmos en la banda de sonido. Luego la desplazó hacia el centro del cuadro en colores diversos para obtener esta pieza de exquisito ingenio.

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NORMAN McLAREN
[Stirling·Escocia 1914 - Montreal·Canadá 1987]

Tras terminar sus estudios de arte en la Universidad de Glasgow en 1932, McLaren se incorporó a la Glasgow Film Society, donde descubrió el cine a través de las obras de Einsenstein, Pudovkin y Fischinger. Rápidamente comenzó a innovar en el medio con sus animaciones sin·cámara, pintando directamente sobre negativos o raspando la emulsión de la película.

Conoció los avatares de la guerra al trabajar como cámara en 1936 durante la guerra civil española, por lo que ante la inminente Segunda Guerra Mundial decidió emigrar a Canadá, donde en 1941 se incorporó al National Film Board.

McLaren nunca cesó de explorar técnicas nuevas para experimentar con el espacio y el tiempo, el sonido y la imagen, la luz y el color. Y demostró que cualquier cosa es susceptible de animación, incluyendo sillas o vallas de madera. La música jugó siempre un papel importante en sus obras y de hecho, creó muchas de sus propias bandas sonoras raspando o pintando sobre película de sonido óptico. Junto a Grant Munro produjo una serie de cinco películas llamada Animated Motion que constituye un verdadero curso de cine de animación debido a su análisis de los conceptos de espacio y tiempo. En 1952 ganó el Oscar junto a Munro por Neighbours y Blinkity Blank recibió la Palme d´Or en Cannes en 1955.