Vj Alejandro Delgado

Se inicia profesionalmente como DJ a fines de los 70. Desde 1986 se vuelca a la producción de imágenes digitales y comienza a trabajar como VJ con Diego Cid en muchos lugares de Buenos Aires. Fundador de la Escuela de Computación Gráfica, es también organizador de la muestra de arte digital “Computerkunst” junto al Instituto Goethe y Siggraph BA. En 1993 funda la productora 3d y FX El Icono y en el 2005 estrena “Los Bravos”, coproducido y codirigido con Rocío Muñoz, documental sobre músicos peruanos en Bs As. Actualmente acompaña a D+D en las presentaciones de su último disco “Curativo” y desarrolla la imagen para el próximo DVD de 9000.




Mesa redonda | Retrospectiva: Pioneros Vj en Argentina | [transcripción]

Empecé como Disc-Jockey en el año 78’, más o menos debe ser la misma época en que empezó Diego [Cid], sólo que Diego nunca abandonó... en algún momento es difícil mantenerse en la noche y en ese nivel. Después de un par de años que me abrí, volví a mi amor de la noche y de alguna forma, apenas empecé a trabajar en la animación por computadora en el año ‘86, en el ‘87 ya estaba trabajando como video-jockey. Vamos a ver alguna cosita hecha en el ‘88-‘89.

En ese momento, por supuesto, no había prácticamente nada. Uno era el “chico del video” con suerte. Con suerte llegabas a ser el “chico del video” o el “chico de la computadora”. Y lo mejor que te podía pasar era que, cuando estabas con la computadora, no te vinieran a pedir una cerveza. Eran épocas difícil donde había que perseguir a los personajes de la noche para cobrar los dos mangos que con suerte uno cobraba... y es un tema también importante el económico, porque esto lleva mucho tiempo. O por lo menos, por mi forma de trabajo, siempre me ha llevado muchísimo tiempo de preparación. Antes de subirme a una cabina y jugar con las imágenes hay días o meses de trabajo previo. Cada una de las secuencias que vamos a ver hoy acá de 1 ó 2 segundos, a lo mejor son 30-40 minutos de trabajo.

En el año '88-'89 consigo una cosa rarísima, no sé cuántas unidades se habrán hecho de un aparato llamado Mindlight 7, de una empresa llamada Aural Vision (para que se den una idea de lo que era eso), que era una especie de digitalizador de sonido de tiempo real que lo que hacía era generar unos impulsos... parecía un cenicero, todo el mundo venía a apagar el cigarrillo allí, porque era redondo y de acrílico transparente. A partir de eso teníamos una mínima posibilidad de hacer algo. Estamos hablando de la computadora Amiga que trabajaba con 16 ó 32 colores. Para los que no tienen mucha idea, hoy todo el mundo trabaja con casi 17 millones de colores. Eso es lo normal. Éste trabajaba con 16 colores: negro, azul, rojo, rojo claro... 16. Es muy poco, no se pueden imaginar hasta qué punto es muy poco. También las limitaciones enseñan muchísimo a trabajar y yo agradezco haber empezado en un momento donde tuve que aprender un montón para poder trabajar.

Con ese sistema trabajé varios años -con Diego [Cid], sobre todo- en boliches como Rainbow, QSL, Ultra, Harrock, no sé, lugares que no sé cómo llamarlos hoy... pero bueno, hasta que en algún momento la tecnología se fue quedando un poco y personalmente me aburrió, no tenía más con qué seguir dentro de esa línea. En algún momento me abro un poquito de la noche, me meto de lleno a trabajar profesionalmente para publicidad, televisión y demás. Lo menciono por un tema técnico. Yo he hecho muchos de estos cambios bruscos de carrera en mi vida, lo que me ha permitido trabajar muchas tecnologías, desde filmación, proyección, edición, fotografía, algo de sonido y demás. Antes les hablaba de lo comercial, creo que en esta actividad siempre tenemos el factor técnico, el factor creativo y el factor comercial o económico. Son tres factores que no podemos separar.

¿Qué me dio este trabajo comercial?

Me dio el acceso a tecnología como Silicon Graphics, Alias Wavefront, 3D, simulación, personajes virtuales, foto-realismo, composición... y sobre todo llevar todos estos programas y tecnologías al límite. A partir de la devaluación muchos de nosotros nos dimos cuenta de que no podíamos seguir un tren que dependía tanto de comprar computadoras con el 1:1, ahora era el 4:1 para comprar las computadores y los precios habían bajado a la mitad internamente en nuestro trabajo. Como mucha gente dentro de mi profesión, me empecé a volcar al diseño de contenidos, a buscar no tanto la herramienta, el desarrollo en el instrumental sino en el contenido, qué es lo que vamos a decir con eso, que es un poco el camino en el que estoy en este momento. Primero trabajando con personajes para otros, después desarrollando proyectos propios.

Hice un documental de músicos peruanos en Argentina -en Buenos Aires, específicamente-, de alguna forma la noche seguía tirando hasta que hace poquito me encuentro de nuevo con Diego después de unos años de no trabajar juntos y empezamos a desarrollar cosas. Estoy trabajando ahora con el Arkaos, básicamente con figuración porque era lo que a mí me faltaba. Con la Amiga y esas primeras computadoras, lo que me faltaba era la figuración; la geometría ya estaba. Y lo que vamos a ver es un trabajo del que, en verdad, no estoy muy orgulloso, pero por lo menos les va a dar una idea de lo que se hacía en ese momento. Ahí van a ver una búsqueda por la figuración bastante patética, pero bueno... Hoy estoy trabajando más en pequeños clips de 1, 2, 4 segundos de imágenes rítmicas con el Arkaos, prácticamente no uso efectos ni casi nada de las posibilidades audiorrítmicas o interactivas que hay hoy en software. No las niego, pero este momento mío tiene más que ver con la creación o la edición de contenidos. Intento usar sólo material documental, jamás material artístico o hecho con intención artística de ningún tipo, y con algunas cosas propias.

Hay dos cosas más que vamos a mostrar: una es un homenaje a John Whitney, que creo que fue uno de los primeros artistas del mundo que intentó graficar de alguna manera la música; era una búsqueda muy solitaria, muy de pionero. Vamos a mostrar también algo de otro set que tiene que ver con lo último que estamos haciendo con Diego [Cid] y con Diego Roca, con D+D. Estoy trabajando en algo completamente diferente a la historia que voy a empezar a contar en un rato. Estoy trabajando mucho más en figuración tratando de generar mensajes o narrativas no-lineales donde -en primer lugar- hay ciertos códigos, ciertos criterios. Uno es que casi todo lo que hacemos lo hacemos para la noche, para el dance; no como una obra en sí misma para ser observada o escuchada. A mí me gusta mucho jugar con los límites y hoy vamos a hacerlo en alguna medida.

Otro de los sets que vamos a mostrar es un set de narrativa no-lineal que he tratado de “abstractizar” lo más posible y de llevarlo a su lectura mínima para, de alguna forma, cumplir con los objetivos del festival, pero también como parte de una búsqueda de no interferir con la música. Si bien darle un significado, una figuración, una narrativa, me propuse darle también un sentido, o quitarle suficiente cantidad de información y presentarlo de cierta forma para que esté en el límite con lo abstracto. Por un lado porque es una búsqueda; desde hace unos años estoy personalmente buscando eso. Y por otro, por una cosa que yo siento muchas veces con lo abstracto, con la línea o con el punto: es una frialdad, una falta de comunicación o de envolvimiento del espectador frente a la obra.

Llegamos a la abstracción a partir de la figuración, a partir de fotografías de la realidad buscamos la abstracción y a partir de esa abstracción por medio de la animación se generan por momentos algunos elementos figurativos o semi-narrativos. Y lo mismo pasa con el movimiento. Por un lado congelamos el movimiento en la fotografía, lo animamos y le volvemos a dar otra significación o una narrativa a partir de la animación diferente a la de la imagen original. Eso es lo que estamos trabajando ahora y la idea es sacar este año con Diego [Cid] un DVD de una obra... no sé si conceptual, pero sí algo donde imagen y música estén completamente unidas y sean inseparables.

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